La forma es el conjunto de atributos que nos ayuda a representar las cosas que podemos conocer. Esta recoge lo que vemos del objeto representado de la vida real junto con el significado que tiene para nosotros; y refleja tanto las cualidades espaciales como las estructurales.
En esta práctica hemos tenido que representar de forma sintética tres elementos tangibles, un elemento intangible y un verbo con el uso de la forma. He intentado mantenerme a figuras simples para crear estas representaciones en forma de iconos, pero en alguna jugué un poco con el color para poder ayudar a percibir su significado.
1.- Elemento Tangible 1: Ratón
A través del uso de dos simples figuras, los rectángulos y las figuras esféricas, hemos podido realizar el esbozo de un ratón. Se puede reconocer fácilmente gracias a la presencia de los bigotes que posee en el hocico.
2.- Elemento Tangible 2: Lápiz
Con solo el uso de rectángulos de diferente color y un triángulo negro, se puede llegar a tener un lápiz. En esta figura procuré evitar el uso de silueta y sacrificarlo por añadir color al símbolo, para hacerlo más esquemático y atractivo al ojo por la presencia del color.
3.- Elemento Tangible 3: Vinilo
Con la creación de la representación de este icono me encargué de simplificar aún mas la forma representada. Solo 3 círculos de diferente diámetro y color me hicieron falta para finalizar, y el resultado es bastante fiable a la realidad.
4.- Concepto Intangible: Atención
A través de la figura de los símbolos de exclamación (creados a partir de dos formas esféricas) podemos llamar la atención de cualquier espectador. Podría ser más efectivo jugando con colores llamativos, pero preferí dejarlo así por propio gusto personal.
5.- Verbo: Fregar
Este último es el más complejo de las 5 representaciones icónicas. Tenemos una multiplicidad de formas (3 es concreto), con otra de colores y tamaños. Aun así, el mensaje se percibe al momento.
Dentro del catálogo de Man Ray, podemos dividir el tratamiento que le da a la forma en dos campos: la forma tratada a través de su trabajo de fotografía o “ready-mades”, y la forma tratada a través de sus pinturas. Las dos parten de la abstracción, pero dentro de este adjetivo, se ve trabajando más con el espectro figurativo de la forma en la fotografía que en la pintura. A partir de esta división, podremos comentar de forma general el uso de la forma en su obra artística.
La forma en los cuadros de Man Ray
Una de las facetas menos conocidas (e incluso poco apreciadas en su momento) fue su carrera en la pintura. Aunque, como ya comenté anteriormente, a Man Ray no le gustaba encadenarse en un género artístico, lo podemos encajar en lo surrealista; característica que nos facilita ver como trató la forma en este campo.
“Five Figures”, 1914
“The Rope Dancer Accompanies Herself With Shadows”, 1916
Estos dos cuadros de su autoría comparten la característica de que son altamente abstractos en tema de las figuras que los componen. Son visiones distorsionadas de lo que podemos ver con nuestros propios ojos, lo que les aporta un alto valor subjetivo; por ejemplo, en “The Rope Dancer Accompanies Herself With Shadows” se puede interpretar que las sombras se tiñen de color por la belleza de la bailarina que cuelga arriba del cuadro, o otra cosa totalmente diferente. Reina un gran nivel de subjetividad en la forma.
Aunque, si prestamos atención a “Five Figures”, también se puede decir que Man Ray simplifica las formas, aparte de tratarlas de con la abstracción que comentamos antes. Se puede decir que justo solo en esa obra tenemos simplificación por la notoria influencia de artistas cubistas del momento, como Picasso o Braque, pero podemos encontrar más ejemplos de esta simplificación en las formas.
Silhouette,1916
Para resumir esta parte del tratamiento de la forma del autor, en la pintura podemos encontrar un trato altamente abstracto hacia la figura, pero apoyado con simpleza en algunas de sus obras que nos ayuda a reconocer lo representado en el cuadro. También podemos decir que apuesta por un ligero aguzamiento en las formas, es decir, rompe con la colocación clásica de las figuras en el marco pictórico para crear tensión.
La forma en la fotografía y “ready-mades” de Man Ray
Para hablar de como el autor ha tratado la forma en este campo, lo tenemos que hacer de forma muy general, así que abarcaremos las obras más famosas dentro del terreno, y las mas representativas respecto al uso de la forma.
Man Ray trabaja a partir de una representación de la forma fiel a la realidad y de forma figurativa; representa las cosas tal y como las vemos en el mundo real, sin filtros ni distorsiones. Pero, a través de la combinación de formas diferentes, consigue darle a sus creaciones una cualidad estética con mucha importancia, ya que de ahí irradia el carácter de su obra.
“Prayer”, 1930
“The Primacy of Matter over Though”, 1929
Obras como “Prayer” (no pude encontrar una fotografía con mejor calidad) y “The Primacy of Matter over Thought” nos muestran este juego con la estética. Man Ray buscaba el erotismo y lo sexual para escandalizar al público del arte, por lo tanto, podemos ver como juega con esa estética para llegar a esto: cuerpos desnudos, poses sugerentes, jugar con el contorno de las figuras a través del negativo… No solo está presente en estas obra, sino que en la gran mayoría de su catálogo podemos encontrar esto.
En “Black And White” encontramos las características mencionadas antes, pero también sumamos el juego con las sombras de las dos figuras principales, que aportan un elemento de cierta tensión por las evidentes diferencias (la mujer está acostada, mientras que la máscara está en vertical y la diferencia de color), que se ve resuelta con el rosto relajado de la modelo.
“Black And White”, 1926
También jugó con en enlace de la memoria visual que disponemos los seres humanos, técnica que le ayudó a elevar esa estética sexual que tanto anhelaba en sus obras. Un claro ejemplo de esto está presente en una de sus obras más famosas, “El violín de Ingres”. A través de la integración de las “efes” de un contrabajo en la figura de la mujer, nos recuerda a ese instrumento, y, a su vez, tenemos esa estética sensual característica de Man Ray.
“Ingres’s Violin”, 1924
Por último, podemos hablar brevemente de la forma en los “ready-made” del autor. Después de desgranar un poco este tema en la parte fotográfica, no tenemos mucho de que hablar, ya que comparte el uso de la forma con esa. Como ejemplo podemos poner a su obra “Object To Be Destroyed”
En las obras de Man Ray, por muy vanguardista que fuera dentro del terreno artístico, podemos encontrar un uso de los elementos morfológicos bastante evidente en muchas de ellas. Esto nos hace apreciar aún más sus creaciones, ya que, aparte de entender el sentido figurativo, podemos analizarlas y entenderlas de una manera mucho más teórica.
1.- Uso del punto: “Glass Tears” (1932)
“Glass Tears”, o “Lágrimas” como se le conoce en España, es sin lugar a dudas, la obra más famosa de Man Ray. Su impacto en la cultura pop fue inmenso, dando lugar a multitudes de referencias dentro del panorama mundial. Podemos encontrar muchos ejemplos, pero podemos destacar la referencia que hizo la banda de pop española Cupido no hace muchos años, a través de la carátula de su single “U Know” (link para ver la imagen).
Pero en lo que se refiere a usos de los elementos morfológicos de la imagen es muy aparente señalizar la importancia del punto en esta conocida fotografía. El punto en este caso actúa como un focalizador de atención a la vista de los ojos que estén analizando la obra, teniendo en cuenta que puede ser la primera característica de la obra en la cual nos fijemos detenidamente, pasando la atención que le prestamos a los ojos a un segundo plano.
También podemos decir que el punto le da a cada “lágrima de cristal” una sensación de singularidad, al estar estas aisladas de cada una; al no fusionarse entre ellas o al no dejar un rastro de lágrima por donde pasan.
2.- Uso de la forma: “Le Violon d’Ingres” (1924)
Otra obra altamente conocida del artista es “Le Violon d’Ingres” (en español, “El Violín de Ingres), que, como “Glass Eyes”, también ha causado un potente impacto dentro de la cultura popular internacional; ya solo hace falta ver este ejemplo, un póster no-oficial de la banda Pink Floyd que seguro que has visto más de una vez.
Pero el uso de la forma es algo que toma un papel primordial en esta fotografía. Lo que tenemos es una multiplicidad de figura en una sola forma. Con esto, me refiero a que en una misma forma, que es la que delimita la línea del cuerpo de la mujer, engloba dos “significados de figura”: por una parte tenemos al propio cuerpo de la mujer, y por la otra, el cuerpo de un violoncello o contrabajo por la inclusión de los oídos o “efes” característicos de estos instrumentos.
Para ver el impacto que hace la introducción de esas “efes” a la obra en cuestión (hablando de forma técnica), podemos comparar la imagen original con una sin esos elementos.
3.-Uso del Tono: “Rayograph (The Kiss)” (1922)
Esta obra de Man Ray es un gran ejemplo del uso de la “rayografía”, técnica de fotografía creada por él (se resume en sacar fotografías sin el uso de una cámara fotográfica). Pero hablando del uso de los elementos morfológicos, podemos ver como se juega con el tono en esta rayografía.
Podemos ver como contrasta la ausencia y presencia de la luz, para aportar diferentes tonos en la imagen: las manos completamente blancas, pero las caras las vemos grises. Seguramente esto es un efecto conseguido “a posteriori” de haber tomado la rayografía, a partir del uso del negativo, pero sigue jugando un papel importante en el resultado final.
4.- Uso de la Línea: “Space Writing (Self-Portrait)” (1935)
Lo primero que podemos pensar al ver esta fotografía de Man Ray es el enorme dinamismo que contiene. Esto es una consecuencia por el uso de la línea creada a partir de una luz en movimiento expuesta a una fotografía realizada con un alto tiempo de exposición.
Tenemos una combinación de líneas onduladas y rectas, que le da un aire misterioso y confuso a la obra. Al mismo tiempo que analizamos esto, las líneas parecen que han sido trazadas de forma suave, lo que le otorga un toque frágil e inestable a lo dibujado con la luz.
5.- Uso de la Textura: “The Enigma Of Isidore Ducasse” (1920)
Explotar el uso de la textura no es para nada el principal objetivo de esta obra de Man Ray, pero es un ejemplo claro de este en el arte (limitandonos solo al catálogo de Man Ray). Ya incluso no viendo esta pieza de arte conceptual en directo, podemos saber como va a ser la sensación que tengamos al tocar la manta de esta obra.
6.- Uso del Color: “Observatory Time: The Lovers” (1936)
Antes de pasar a analizar el uso del color en esta obra, tenemos que decir que el tema principal del cuadro es uno de los más famosos dentro de la filosofía del mundo artístico del surrealismo: la mujer devoradora. Ahora, teniendo en cuenta de que esos labios son de una mujer y el título del cuadro (“Los Amantes”), podemos deducir la importancia del color en este cuadro.
El uso del rojo en este cuadro nos ayuda a sacar del contexto la sensualidad que lleva por dentro, pero combinándolo con una sensación de peligro (ya que estas dos sensaciones provienen del mismo color), por la imagen representada en el cuadro: una boca gigante en el cielo. Quitándole la connotación surrealista, parece una imagen sacada del día del juicio final.
El punto, entendiéndolo dentro del mundo de las figuras compositiva, es la unidad compositiva mas mínima que existe. A través de su presencia en el cuadro, nos puede dar una sensación muy notoria de tensión y de singularidad dentro del marco compositivo. A través de esto, podemos asociar su presencia a un suceso aislado dentro del propio cuadro.
La línea consiste en una sucesión de puntos, pero también se puede definir como el trayecto de un punto en movimiento. La integración de la línea en cualquier creación visual aporta un gran dinamismo a este, ayudando también a dirigir nuestros ojos dentro del marco compositivo.
Aparte, dependiendo de la línea que aparezca en la composición, podemos obtener distintos significados de esta. El significado se puede ver modificado por el grosor de esta, la saturación, la presión con la que esté realizada, la superficie en la que se aplica, y por otros muchos campos más.
El color juega un gran papel en lo que viene siendo el mundo de los elementos morfológicos de la imagen. Es el que aporta la emoción y ayuda a expresar los diferentes valores simbólicos que puede tener. También es una vía para expresar significado de forma inmediata, ya que los seres humanos, por naturaleza, asociamos a cada color diferentes significados y emociones. Es decir, que un color puede significar una cosa totalmente diferente comparándolo con otro color.
El tono de una imagen se puede definir como la gradación de un mismo color, que aporta diferentes datos a la imagen como puede ser profundidad, distancia o dimensión espacial. Tenemos que tener en cuenta que este no es un valor independiente, no puede actuar separado del color, ya que está influido por la yuxtaposición de colores.
La forma entendida como un elemento morfológico de la imagen se define como la delimitación de una figura. Dentro de la forma tenemos la figura en si, mientras que fuera de esos límites tenemos el fondo. La línea, otro elemento morfológico de la imagen, delimita la forma del fondo.
La textura entra dentro de los elementos morfológicos de la imagen por transmitir valores sensoriales a una experiencia visual.
Ahora definidos estos elementos morfológicos, pasamos a poner diferentes ejemplos para ilustrarlos.
1.- El Punto (1): “Azul III”, de Joan Miró (1961)
En este ejemplo del famoso artista barcelonés Joan Miró podemos ver la función del punto. En un fondo azul, tenemos dos puntos: uno negro y uno rojo. Aunque en este ejemplo también entra algo de teoría de color, por el tema del contraste con el azul, se nos va la vista al punto rojo. Viendo el cuadro de una manera amplia, podemos ver como las cualidades mencionadas antes del punto se cumplen a la perfección: la presencia de ese punto nos da un toque de tensión dentro del cuadro, a la vez que le da una singularidad en medio del inmenso fondo azul y de las otras dos figuras de color negro.
2.- La Línea (1): carátula del álbum “Navy Blues”, de Sloan (1998)
En esta imagen, la carátula del tercer álbum de la banda de power pop canadiense Sloan utiliza una línea firme vertical varias veces, dos de un color rojo muy oscuro, y una (localizada en el medio) de un tono fuerte de rojo. A partir de estos tres casos podemos ver claramente varias características de el uso de la línea en composiciones.
Para empezar, al usar líneas verticales, estas aportan a la composición final una sensación de elegancia y de firmeza. Ya partiendo de la sensación que aportan, podemos decir que le da un dinamismo notable, separando las caras de los integrantes del grupo a través de estas líneas. Por último, se puede destacar a la línea roja del medio, por dirigir nuestra mirada al título del álbum con el nombre de la banda, que se encuentra en la parte inferior de la superficie compositiva.
3.- El Color (1): Fotograma de “American Beauty”, por Sam Mendes (1999)
En esta escena de la película “American Beauty”, el color juega un papel esencial. Estamos presenciando el sueño del protagonista, donde aparece una chica muy joven de la que está enamorado; la amiga de su hija. Para darle un poco más de significado que, por ejemplo, poniendo solo a la chica desnuda, en la escena, mientras sueña, la vemos cubierta de pétalos rojo carmín. Este tipo de rojo ayuda a expresar mejor los sentimientos del protagonista, ya que es normalmente asociado a la pasión, a la sensualidad y al amor que siente por esta muchacha.
4.- El Tono: “La Vocación De San Mateo”, de Caravaggio (1601)
El tono no solo juega una gran importancia en este cuadro de Caravaggio, sino en todo el movimiento barroco dedicado a la pintura. A través de la degradación de los claros, que contrasta con los tonos oscuros, nos dibuja en la mente el espacio en el que las figuras del cuadro se encuentran en este momento. Además de esto, ayuda a definir las formas de las figuras.
5.- La Forma: “Verano”, de Giuseppe Arcimboldo (1573)
En este cuadro de Giuseppe Arcimboldo tenemos una forma creada a partir de otras formas, que hacen surgir a la figura principal del cuadro, la persona. Las formas secundarias son las verduras utilizadas. Luego, podemos ver como todas las formas del marco compositivo están separadas por las líneas, que delimitan su figura correspondiente.
6.- La Textura (1): “The Wind-Up Bird”, de Nick Georgiou (2019)
En esta obra de Nick Georgiou podemos ya con solo verla hacernos una idea de como sería tocar la propia pieza de arte, como sería la textura de la superficie del cuadro al tocarla.
7.- La Textura (2): carátula de “Fear Of Music”, de Talking Heads (1979)
Al ver la portada de este álbum, hecho por la famosa banda neoyorquina Talking Heads, ya nos viene a la cabeza la textura de la chapa de metal que la compone. Fría, con patrones continuados y dura, y de esta forma ya nos avisan del contenido musical del propio disco.
8.- El Color (2): “La Alegría de Vivir”, de Henri Matisse (1906)
En este cuadro del fauvista Mattise vemos un paisaje que para nada está representado con su color natural, sino que está totalmente modificado: césped amarillo con manchas rojas, árboles con copas de diferente color… Esto está totalmente intencionado, ya que el propio Mattise a través del color, nos presenta la sensación que le daba un paisaje de otoño. A través de los colores utilizados, podemos ver que para el autor esa época era alegre y pasional, gracias a la exagerada cantidad de amarillos, naranjas y rojos.
9.- El Punto (2): fotograma de “Metrópolis”, de Fritz Lang (1927)
El punto es usado en este fotograma concreto de la obra maestra del director Fritz Lang a modo de creador de tensión, ya que representa a una linterna apuntando a la cara de una de las protagonistas, que ha sido capturada. Quitando el significado que tiene gracias al largometraje, la imagen sigue siendo igualmente inquietante por la integración de este punto de luz.
10.- La Línea (2): “Intersecting Lines”, de Wassily Kandinsky (1923)
Como se puede observar en este ejemplo del padre de la abstracción, las líneas juegan un gran papel en la obra. Lo que nos transmite a través del uso de las líneas es una sensación de gran dinamismo, ya que por la alta variedad de líneas, no podemos sacar una sensación exacta, dándonos un alto grado de confusión.
Man Ray (1890-1976) fue uno de los iconos de las vanguardias del S. XX más destacados. Normalmente colocado en el dadaismo y en el surrealismo (aunque nunca militó en vida estos movimientos), este artista se supo colocar en la vanguardia de las propias vanguardias con sus creaciones.
Cultivó muchos géneros artísticos, como la pintura, el cine, o incluso en el terreno de los “ready-made” (popularizado por un contemporáneo suyo, Duchamp), pero en el campo donde Man Ray destacó como vanguardista fue en la fotografía. Fue el pionero de la fotografía abstracta, a través de la creación de los rayogramas (fotografías sin cámara fotográfica), o la aplicación de solarizaciones (negativos expuestos al sol). Pero, para poder subsistir, también recurre a la fotografía normal, donde destaca por sus retratos gracias a su particular vista para estas.
También se puede adjudicar a Man Ray el título de uno de los padres del movimiento dadaista neoyorkino con Duchamp y Picabia, ser un destacado surrealista, donde jugó con juegos de doble lectura en sus obras y con la figura de la “femme fatale”. Aparte, también se argumenta que trabajó el arte conceptual, ya que en su obra se ve que detrás de cada imagen que muestra, hay una idea detrás de esta. Podemos destacar también la fuerte pegada erótica de su arte, que utilizaba para causar escándalo y confusión.
Ahora, hablando de Man Ray la persona, no el artista, encontramos un perfil que puede abarcar la responsabilidad de ser un gran vanguardista. Una persona muy segura de si misma, confiada de sus capacidades, como se puede ver en citas suyas como: “Yo creé a dadá cuando era niño y mi madre me zurraba. Yo podría proclamar que soy el autor de dadá en Nueva York”; y también un gran amante del arte sin importar la época, como demuestra en este vídeo, una entrevista de 1972: “No puedo hacer nada mejor de lo que los viejos Maestros hicieron, mi única justificación es que hago algo diferente”.
Pero, ante todo, era una persona muy humilde, a la que la fama no le había subido tanto a la cabeza como a otros de sus contemporáneos. Y eso lo podemos ver en otro extracto de una entrevista que está disponible en esta página:
1.- Perspectiva Aérea: “La Virgen de las Rocas”, de Leonardo Da Vinci (1483-1486).
La perspectiva aérea consiste en una técnica que da sensación de profundidad que es inexistente en la realidad, ya que se utiliza en imágenes bidimensionales. Imita el espacio entre los objetos, haciéndolos más pálidos, azulados o menos visibles en comparación a los más cercanos.
En este famoso cuadro de Leonardo, podemos apreciar la perspectiva aérea en el propio fondo del cuadro, donde el paisaje montañoso (altamente utilizado por el artista a lo largo de su vida) se difumina en tonos azules cada vez más borrosos para darnos una sensación de profundidad inexistente en una imagen propiamente dimensional. Cabe destacar que Da Vinci es el padre de esta técnica perceptiva, que la seguirá utilizando a lo largo de su carrera artística, como en “La Gioconda”.
2.- Ley de la Constancia del Tamaño. Carátula del álbum “Howdy!”, de Teenage Fanclub (2000).
La “Ley de la Constancia del Tamaño” es un fenómeno perceptivo consistente en el mantenimiento de la percepción del tamaño de un objeto cualquiera independientemente de la colocación de este en cualquier sitio.
Para explicar mejor este término, podemos ver lo que significa a través del ejemplo puesto. La figura del medio, como podemos ver, es más pequeña que las dos de los extremos. Lo que se nos quiere decir con esto, es que la persona del medio está en una posición más lejana que los otros dos, no que esta sea mucho más pequeña que las demás. Esto ocurre automáticamente en nuestro cerebro, que ha recopilado experiencia de momentos anteriores para traducir la imagen.
3.- Principio bidimensional del espacio: sombreado. “El Aguador de Sevilla”, de Velázquez (1618-1622).
El sombreado es una de las características esenciales de una imagen bidimensional, ya que esta le aporta profundidad. Las sombras aportadas por la ténica del sombreado ayudan a percibir el volumen de las figuras, integrandolas de una forma natural en el soporte en el que estén (lienzo, fotografía…).
En este caso, tenemos una pieza de la primera etapa artística de Velázquez, uno de los artistas españoles más celebrados en el mundo. Podemos ver como las sombras aportan un realismo a los volúmenes de las formas, especialmente en los jarrones, con sus deformidades.
4.- Perspectiva Lineal. “La Última Cena” de Leonardo Da Vinci (1495-1498).
La perspectiva lineal consiste en colocar un punto de fuga en el centro de la imagen tratada y que en este divergen todos los planos.
Podemos ver como Leonardo utilizó esta perspectiva colocando todos los elementos que hemos dicho en la definición en el cuadro. El punto de fuga central del cuadro viene siendo la figura de Jesús, donde todos los planos se juntan: la mirada de los apóstoles, los gestos de los mismos, e incluso el propio recinto en el que están; todo parece centrarse en la figura de Jesús.
5.- Principio bidimensional del espacio: superposición. “Tondo Doni (Sagrada Familia)”, de Miguel Ángel (1506).
La superposición de figuras ayuda a las imagenes bidimensionales a aportar más profundidad a su conjunto. Con esta característica, podemos deducir que las figuras que se encuentran más cerca a nuestro punto de vista son las que se superponen, dejando a las figuras más lejanas atrás.
En este cuadro de Miguel Ángel podemos observar esto con mucha facilidad. La Vírgen María, el Niño Jesús y José (en orden de cercanía a través de la superposición de figuras) se encuentran delante de un grupo enorme de gente desnuda. De esta forma, tenemos dos núcleos de superposición: el de la Sagrada Familia en sí, y el de la Sagrada Familia con el grupo de gente desnuda.
Objeto para ser destruido. 
