Práctica 2 – Elementos Morfológicos De La Imagen

El punto, entendiéndolo dentro del mundo de las figuras compositiva, es la unidad compositiva mas mínima que existe. A través de su presencia en el cuadro, nos puede dar una sensación muy notoria de tensión y de singularidad dentro del marco compositivo. A través de esto, podemos asociar su presencia a un suceso aislado dentro del propio cuadro.

La línea consiste en una sucesión de puntos, pero también se puede definir como el trayecto de un punto en movimiento. La integración de la línea en cualquier creación visual aporta un gran dinamismo a este, ayudando también a dirigir nuestros ojos dentro del marco compositivo.

Aparte, dependiendo de la línea que aparezca en la composición, podemos obtener distintos significados de esta. El significado se puede ver modificado por el grosor de esta, la saturación, la presión con la que esté realizada, la superficie en la que se aplica, y por otros muchos campos más.

El color juega un gran papel en lo que viene siendo el mundo de los elementos morfológicos de la imagen. Es el que aporta la emoción y ayuda a expresar los diferentes valores simbólicos que puede tener. También es una vía para expresar significado de forma inmediata, ya que los seres humanos, por naturaleza, asociamos a cada color diferentes significados y emociones. Es decir, que un color puede significar una cosa totalmente diferente comparándolo con otro color.

El tono de una imagen se puede definir como la gradación de un mismo color, que aporta diferentes datos a la imagen como puede ser profundidad, distancia o dimensión espacial. Tenemos que tener en cuenta que este no es un valor independiente, no puede actuar separado del color, ya que está influido por la yuxtaposición de colores.

La forma entendida como un elemento morfológico de la imagen se define como la delimitación de una figura. Dentro de la forma tenemos la figura en si, mientras que fuera de esos límites tenemos el fondo. La línea, otro elemento morfológico de la imagen, delimita la forma del fondo.

La textura entra dentro de los elementos morfológicos de la imagen por transmitir valores sensoriales a una experiencia visual.

Ahora definidos estos elementos morfológicos, pasamos a poner diferentes ejemplos para ilustrarlos.

1.- El Punto (1): “Azul III”, de Joan Miró (1961)

En este ejemplo del famoso artista barcelonés Joan Miró podemos ver la función del punto. En un fondo azul, tenemos dos puntos: uno negro y uno rojo. Aunque en este ejemplo también entra algo de teoría de color, por el tema del contraste con el azul, se nos va la vista al punto rojo. Viendo el cuadro de una manera amplia, podemos ver como las cualidades mencionadas antes del punto se cumplen a la perfección: la presencia de ese punto nos da un toque de tensión dentro del cuadro, a la vez que le da una singularidad en medio del inmenso fondo azul y de las otras dos figuras de color negro.

2.- La Línea (1): carátula del álbum “Navy Blues”, de Sloan (1998)

En esta imagen, la carátula del tercer álbum de la banda de power pop canadiense Sloan utiliza una línea firme vertical varias veces, dos de un color rojo muy oscuro, y una (localizada en el medio) de un tono fuerte de rojo. A partir de estos tres casos podemos ver claramente varias características de el uso de la línea en composiciones.

Para empezar, al usar líneas verticales, estas aportan a la composición final una sensación de elegancia y de firmeza. Ya partiendo de la sensación que aportan, podemos decir que le da un dinamismo notable, separando las caras de los integrantes del grupo a través de estas líneas. Por último, se puede destacar a la línea roja del medio, por dirigir nuestra mirada al título del álbum con el nombre de la banda, que se encuentra en la parte inferior de la superficie compositiva.

3.- El Color (1): Fotograma de “American Beauty”, por Sam Mendes (1999)

En esta escena de la película “American Beauty”, el color juega un papel esencial. Estamos presenciando el sueño del protagonista, donde aparece una chica muy joven de la que está enamorado; la amiga de su hija. Para darle un poco más de significado que, por ejemplo, poniendo solo a la chica desnuda, en la escena, mientras sueña, la vemos cubierta de pétalos rojo carmín. Este tipo de rojo ayuda a expresar mejor los sentimientos del protagonista, ya que es normalmente asociado a la pasión, a la sensualidad y al amor que siente por esta muchacha.

4.- El Tono: “La Vocación De San Mateo”, de Caravaggio (1601)

El tono no solo juega una gran importancia en este cuadro de Caravaggio, sino en todo el movimiento barroco dedicado a la pintura. A través de la degradación de los claros, que contrasta con los tonos oscuros, nos dibuja en la mente el espacio en el que las figuras del cuadro se encuentran en este momento. Además de esto, ayuda a definir las formas de las figuras.

5.- La Forma: “Verano”, de Giuseppe Arcimboldo (1573)

En este cuadro de Giuseppe Arcimboldo tenemos una forma creada a partir de otras formas, que hacen surgir a la figura principal del cuadro, la persona. Las formas secundarias son las verduras utilizadas. Luego, podemos ver como todas las formas del marco compositivo están separadas por las líneas, que delimitan su figura correspondiente.

6.- La Textura (1): “The Wind-Up Bird”, de Nick Georgiou (2019)

En esta obra de Nick Georgiou podemos ya con solo verla hacernos una idea de como sería tocar la propia pieza de arte, como sería la textura de la superficie del cuadro al tocarla.

7.- La Textura (2): carátula de “Fear Of Music”, de Talking Heads (1979)

Al ver la portada de este álbum, hecho por la famosa banda neoyorquina Talking Heads, ya nos viene a la cabeza la textura de la chapa de metal que la compone. Fría, con patrones continuados y dura, y de esta forma ya nos avisan del contenido musical del propio disco.

8.- El Color (2): “La Alegría de Vivir”, de Henri Matisse (1906)

En este cuadro del fauvista Mattise vemos un paisaje que para nada está representado con su color natural, sino que está totalmente modificado: césped amarillo con manchas rojas, árboles con copas de diferente color… Esto está totalmente intencionado, ya que el propio Mattise a través del color, nos presenta la sensación que le daba un paisaje de otoño. A través de los colores utilizados, podemos ver que para el autor esa época era alegre y pasional, gracias a la exagerada cantidad de amarillos, naranjas y rojos.

9.- El Punto (2): fotograma de “Metrópolis”, de Fritz Lang (1927)

El punto es usado en este fotograma concreto de la obra maestra del director Fritz Lang a modo de creador de tensión, ya que representa a una linterna apuntando a la cara de una de las protagonistas, que ha sido capturada. Quitando el significado que tiene gracias al largometraje, la imagen sigue siendo igualmente inquietante por la integración de este punto de luz.

10.- La Línea (2): “Intersecting Lines”, de Wassily Kandinsky (1923)

Como se puede observar en este ejemplo del padre de la abstracción, las líneas juegan un gran papel en la obra. Lo que nos transmite a través del uso de las líneas es una sensación de gran dinamismo, ya que por la alta variedad de líneas, no podemos sacar una sensación exacta, dándonos un alto grado de confusión.

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