En esta tarea nos ocuparemos de analizar como Man Ray trataba en sus obras el espacio compositivo. Obviamente, cada obra de cualquier artista posee una característica dentro de este apartado que la puede hacer única: su formato, el tratamiento de su espacio, como divide su espacio compositivo… Por eso, nos centraremos en tres obras del autor que nos permitan tratar la mayoría de conceptos que podemos encontrar dentro de un espacio compositivo.

1.- “Observatory Time: The Lovers” (1936)

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Lo primero que nos viene a la vista es que estamos delante de un cuadro realizado en un formato apaisado, lo que quiere decir que la visión del cuadro pasa de izquierda a derecha o al revés, no de arriba a abajo; la acción se extiende por estos lados. Esto nos da un fácil análisis tanto lateral como de profundidad en este cuadro.

El análisis del cuadro, ya quitando la facilidad que nos aporta el formato, era bastante sencillo. Un cielo oscuro ,que por el formato apaisado nos ayuda a apreciar detalles como la colocación del observatorio en la esquina inferior izquierda, y una figura principal que, ya destacando por sí sola al estar colocada en el centro y ser enorme, su color la destaca aún más.

Otras sensaciones que nos aporta el formato apaisado es una gran estabilidad, una visión panorámica y mostrar tanto el motivo como el entorno al mismo tiempo; tres características que se cumplen en este cuadro.

Tenemos un espacio compositivo positivo, ya que el fondo está actuando como soporte de la forma principal del cuadro, con un espacio abierto, ya que se utiliza un campo de acción que se extiende mas allá de los bordes del cuadro (el paisaje representado no se acaba con los bordes del cuadro) pero dentro de este tenemos una composición cerrada, ya que los bordes si que limitan el espacio compositivo de la obra, donde el que tiene más peso son los labios, y como se puede ver, no sobrepasan el cuadro.

2.- “Glass Tears” (1932)

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Esta fotografía está enmarcada dentro de un formato cuadrado. Lo que podemos destacar de este formato es su neutralidad, ya que no le aporta mucho a la composición como el apaisado o el vertical. Lo único que podemos decir es que focaliza el centro de atención en el centro del formato, objetivo que se cumple en “Glass Tears”.

Podemos debatir que tipo de espacio tenemos en esta pieza artística de Man Ray, ya que en este caso, el fondo posee una gran fuerza ya que es la figura que nos da el contexto del cuadro, la cara (carácter comunicativo). Pero este fondo también sirve de soporte para otras formas que tenemos representadas, como las “lágrimas”. Aún así, me atrevería a decir que en “Glass Tears” tenemos un espacio negativo.

Explicado esto, podemos decir que la obra se encuentra contenida en un espacio cerrado o contenido, ya que dentro de esta se encuentran todos los elementos significantes; y que es una composición abierta, ya que se entiende que lo que está dentro de la fotografía es una parte de algo que se está extendiendo fuera del marco, que no acaba justo en los bordes.

3.- “Erotique Voliée” (1933)

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En esta fotografía de Man Ray tenemos el uso de un formato vertical, o también conocido como de retrato (ese nombre se puede aplicar bien a esta obra). Con este formato tenemos una tendencia de recorrido visual ascendente; nuestra vista irá seguramente de arriba a abajo y una inestabilidad que se traduce en una obra dinámica. Este formato es perfecto para retratar objetos u personas.

En “Erotique Volièe” se hace un buen uso de este formato, ya que se aprovecha el recorrido visual ascendente, colocando una fuente de luz arriba y abajo oscuridad, dándole más importancia a la parte de arriba, donde encontramos la cara y el brazo lleno de aceite de la modelo. El dinamismo también está presente en la obra, en zonas como la pose de la modelo y la rueda en la que se apoya, ya que esta forma junto con las líneas ondulantes que se encuentran dentro de esa rueda dan sensación de movimiento.

Tenemos un espacio positivo, como en “Observatory Time: The Lovers” (por tener un fondo neutro que no tiene carácter comunicativo). Y, por último, destacamos que esta fotografía es un espacio abierto, ya que se utiliza un campo de acción no limitado por los bordes de la fotografía, y una composición cerrada, porque los bordes sí que limitan el espacio compositivo, aportando también los ejes estructurales de la composición, como el eje que puede dividir el cuadro en dos mitades.

En esta entrada sobre Man Ray analizaremos compositivamente tres de sus obras más conocidas en el panorama artístico: “Ingre’s Violin”, “Glass Tears” y “Black And White”. Si queremos llevar a cabo un análisis compositivo, tenemos que tener en cuenta en el proceso de fijarnos en la dirección, la escala, la proporción, la dimensión, el movimiento, el equilibrio y la tensión. Obviamente, no todas las obras que analicemos hoy van a tener todas estos criterios sintácticos, pero nos viene muy bien tenerlos en cuenta, ya que nos ayudarán en el proceso.

1.- “Ingre’s Violin”, 1924

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“Ingre’s Violin” es la primera obra que analizaremos en esta entrada. Antes de empezar el análisis, cabe recordar el atractivo de Man Ray a evocar escenas que desemboquen en lo sensual y erótico, así que el uso de las herramientas compositivas seguramente se justifique por la búsqueda de una naturaleza erótica.

Ya dicho esto, podemos destacar que la dirección de las líneas en esta obra son curvas (la figura de la mujer, las “efes” del instrumento de cuerda). La curvatura en la delimitación de las figuras puede estar sirviendo para dar un aire sensual a la composición, ya que ese tipo de uso de la dirección puede transmitirnos este tipo de sensaciones. Aparte, son curvas muy suaves, no hay brusquedad ni deformidad en el trazo de estas, con lo cual, tenemos otra razón más para decir que ese uso de la línea curva aparece para acentuar más el aire erótico de esta fotografía.

También podemos destacar que es un cuadro con una verticalidad muy destacada, ya que la figura principal de este se encuentra anclada a una línea vertical que podemos trazar desde arriba a abajo, justo pasando por el punto medio del cuadro. Esta verticalidad nos da equilibrio y tranquilidad; claves para lo que Man Ray buscaba con una composición de este estilo.

Enlazando con la verticalidad de la obra, gracias a esta característica, podemos decir que es una obra con un movimiento nulo, es decir, es estática. Tampoco es que en las obras de Man Ray tengamos mucho dinamismo, pero al ver esta obra, podemos decir que destaca por ser muy estática. Esto lo podemos explicar por una sencilla regla del equilibrio.

El equilibrio presente en la obra ayuda a que esta sea estática. Esto lo podemos demostrar gracias a como está representado el cuerpo de la mujer en el cuadro, que se rige por un esquema básico de equilibrio: el esquema horizontal-vertical. Este esquema se basa en la teoría de la gravedad de los cuerpos, y coloca lo que más pesa en la parte inferior del cuadro. En este caso, podemos ver como la figura de la mujer coge más volumen en la parte inferior, que se ve sujeta a más “peso” por la colocación de las “efes” negras, ayudando a que esta obra tenga un equilibrio excelente.

Por último, podemos destacar que en lo que viene siendo el campo de la proporción, esta obra encaja con la espiral de Fibonacci.

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2.- “Glass Tears”, 1932

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Lo primero que nos puede llamar la atención, hablando de lo compositivo del cuadro, es la escala a la que está sujeta la fotografía. No hay ningún contraste de escalas dentro de este, no quiero que se me malinterprete; sino que la fotografía está sacada en un plano que busca el detalle. El juego con la escala en esta obra genera al espectador un efecto expresivo y dramático hacia esta. Y no es de extrañar que Man Ray hubiera apostado por una foto con una escala tan pequeña y detallista; esta es una foto altamente dramática.

Bien uno puede decir que todo el drama del cuadro aparece solo por la posición de los ojos de la modelo, ya que emoción en sí no hay en el cuadro, ni siquiera hay lágrimas reales; pero la escala es la que ayuda a esa posición de ojos a que el cuadro sea dramático. Su dramatismo se ve acentuado por el movimiento debido a la anterior posición de los ojos ya citada.

Hablando de la ausencia de lágrimas reales, podemos decir que la forma en la que están colocadas las perlas afecta tanto a la tensión de esta fotografía. La tensión causada por las perlas surge gracias a la diagonal que trazan las que se encuentran debajo de los ojos. Si no fuera suficiente la tensión que aporta esta diagonal, tenemos una perla sobrante, que se encuentra debajo de la segunda perla si vamos de derecha a izquierda, que rompe un poco esta diagonal de puntos.

Otro de los puntos de tensión en la obra es como difieren las dos diagonales que tenemos en esta. Tenemos una diagonal formada por la dirección de la mirada (que establece el movimiento de la fotografía), mientras que la otra diagonal, la que está formada por las perlas citadas anteriormente, va en la otra dirección. Es este contraste el que ayuda a que esta obra sea una de las más tensas y dramáticas dentro del catálogo de Man Ray.

3.- “Black And White”, 1926

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Ya con el nombre de la obra, podemos deducir que en esta fotografía podremos encontrar algunos contrastes. Pero, aún así, no es un cuadro que podamos decir que posea la tensión y dramatismo que tenía “Glass Eyes”, sino que se ve que es un cuadro muy relajado y tranquilo. Esto puede ser por su equilibrio compositivo, ya que, las dos figuras importantes se encuentran separadas (la cabeza de la modelo y la máscara) por un eje vertical que cruza por el punto central del cuadro. Tenemos un proceso de nivelación presente en el cuadro que elimina las posibles causas de tensión que pueda tener este cuadro.

Ahora, pasaremos a hablar de los contrastes presentes en la obra. El más evidente, que es el contraste de colores entre la máscara y el rostro de la modelo, podemos justificarlo compositivamente diciendo que le da un cierto ritmo muy sutil a la obra, con ese contraste entre colores claros y oscuros, que se repite, por ejemplo, en las sombras de la cara y el brazo de la modelo. Puede sonar algo rebuscado, pero se puede justificar de esta forma.

Luego el otro contraste en la obra es la posición en la que cada una de las figuras se encuentra. La máscara tiene una dirección marcada por una línea vertical, mientras que el rostro tiene una dirección horizontal. Estos dos contrastes podían sumir a esta composición en un mar de tensión, pero gracias al equilibrio citado anteriormente, esto no ocurre.

Por último, cabe destacar la marcada dirección del cuadro, que se hace palpable gracias al foco de luz que ilumina a las figuras, dando movimiento a un cuadro tan estático. El foco de luz genera las sombras que citamos anteriormente, y estas le dan al cuadro una ligera sensación de movimiento compositivo que también ayuda a contrarrestar las tensiones citadas en los párrafos escritos.

Y por último, acabo del la misma manera que con el análisis de “Ingre’s Violin”, que en el campo compositivo de la proporción podemos encuadrar a esta obra dentro de la famosa espiral de Fibonacci.

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En esta entrada veremos el tratamiento de Man Ray hacia la forma dentro del espacio compositivo, como las integra y el uso de algunos de los métodos de representación más conocidos dentro de algunas creaciones suyas.

La representación de un objeto tridimensional a un plano bidimensional puede ser bastante complejo, ya que para plasmar el volumen que aporta el objeto más que se parezca a este, no es tarea sencilla. Un factor que influye mucho en este punto es la orientación espacial, que defiende la idea de que la identidad del objeto depende del esqueleto estructural y de un marco de referencia que no depende de la orientación del objeto.

Podemos ver el cumplimento de esta regla por parte del artista sobretodo en su pintura, ya que esta juega más con la abstracción de las figuras, y para ilustrar este punto es mucho más sencillo de ver.

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Por poner un ejemplo, da igual la deformación en estas figuras humanas de “Five Figures”, ni en que posición se encuentren, podemos ver que son 5 figuras humanas sin que nadie nos tenga que explicar que es lo que tenemos delante. Esta regla también está presente en las fotografías del autor, pero de una forma más sutil y que para poner un ejemplo, no es tan fácil de ver.

Ahora, ya que estamos hablando de la pintura de Man Ray, podemos destacar un método de representación que también se puede ilustrar fácilmente a través de un cuadro suyo: el traslapo.

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Este método es muy utilizado en su breve catálogo de cuadros, y se puede explicar a través de justo una de sus primeras obras, no solo pictórica, sino en general. El traslapo consiste en la superposición de elementos independientes (aquí separados gracias a las siluetas de los cuerpos) situados en diferentes puntos del plano. Con esto, en una imagen bidimensional podemos conseguir una sensación falsa de profundidad, simulando como si el cuadro representara una escena tridimensional. Aparte, en esta obra, actúa como elemento estructural, agrupando a las figuras humanas.

Otro método de representación de la forma muy utilizado por el propio Man Ray es la proyección, pero este está presente de un modo algo diferente en un tipo concreto de obra que el autor desarrolló a lo largo de su carrera: la rayografía.

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En sus rayografías, Man Ray trabaja directamente con las proyecciones, ya que estas son proyecciones de figuras sobre papel fotográfico bañado con luz. Por esto, la forma se puede ver algo distorsionada, como en “The Kiss” (podemos ver esta distorsión en las partes negras que cortan las caras de los dos amantes), pero aún así, podemos diferenciar claramente las figuras detrás de la distorsión.

Otro ejemplo muy bueno del juego de la proyección en los trabajos fotográficos del autor es “Space Writing”. De vuelta a la distorsión de la figura a través del difuminado, pero podemos ver al autor detrás de ese juego de luces, que delimita su figura y nos ayuda un poco a encuadrar a este en el cuadro.

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Si bien podemos ver algunos ejemplos de las anteriores características en la obra de Man Ray, lo que viene siendo la técnica del escorzo no está muy presente en esta, que se basa en la distorsión de figuras con finalidad plástica o espacial. Se puede decir que en “Black And White” tenemos una especie de escorzo en la mano que sujeta la máscara, ya que parece que la modelo tiene un brazo extremadamente largo para aguantar esta, pero, desde mi punto de vista, se ve algo forzado. Pero aparte de esta obra, no hay otro ejemplo más visible de un escorzo.

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Partiendo de el tema de el tratado de la forma de Man Ray, podemos analizar a través de este el uso del autor de la síntesis gráfica. Tenemos que volver a recordar que utiliza la forma, sobretodo en las fotografías (su trabajo más celebrado), con una finalidad para alcanzar una estética, un concepto; la sensualidad y lo misterioso. Y, para esta práctica será importante volver a recordar la tendencia que tienen sus obras a jugar con la memoria visual.

Para empezar, la síntesis gráfica es un concepto denotativo, es decir, que tiene que tener un significado completamente claro y único para el destinatario. Esto es una característica que nos lo dejará difícil para encontrar algún ejemplo de esta en la obra de Man Ray, pero, a continuación, podréis encontrar algunos ejemplos de su uso en esta.

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Uno de los ejemplos más claro que podemos encontrar en su obra que tengan que ver con la síntesis gráfica es esta fotografía. Uno puede decir que, al ser las joyas un sustituto de las lágrimas, tenemos una obra que refleja dramatismo, gracias a estas, a los ojos y al ángulo de la propia foto. No son conceptos que estén estrechamente relacionados con el término “dramatismo”, pero, aún así, funcionan de forma excelente para dar ese significado, por eso coloco esta obra aquí.

Este ejemplo se puede aplicar a diversidad de obras del autor que sigan este estilo de “Glass Eyes”: “Ingres’s Violin”, “Black And White”, “Prayer”, “Rayograph: The Kiss”… En resumen, podemos decir que Man Ray utiliza en esencia el término de “síntesis gráfica”, pero no de una forma rudimentaria como pueden hacerlo diferentes autores. Sintetiza varios elementos en un término conocido por todo el mundo, pero, normalmente, estos elementos no suelen estar en un mismo campo semántico.